오페라 속 광란의 아리아, 기교를 넘어선 정신의 무대

오페라에서 가장 극적인 장면은 종종 ‘이성의 붕괴’라는 형태로 등장한다. 특히 여주인공이 현실과 환상 사이에서 무너지는 순간, 작곡가는 그 심리적 파열을 음악적으로 구체화하는 장치로 ‘광란의 아리아(mad scene)’를 선택해왔다. 광란의 아리아는 단순한 감정 과잉이 아니다. 그것은 구조적으로 파괴된 감정의 궤적이며, 극중 인물이 언어가 아닌 음으로 자신의 내면을 해체해 보이는 고도의 예술적 행위이다. 이 아리아는 성악가에게 단순한 고음과 기교를 넘어서 심리 묘사, 프레이징 감각, 장식음의 해석, 무대 존재감까지 총체적인 능력을 요구한다. 특히 도니제티의 「람메르무어의 루치아」, 벨리니의 「청교도」, 그리고  토마의 「햄릿」 중 오펠리아의 광란 장면은 이 장르의 대표작으로 꼽히며, 수많은 디바들의 해석을 통해 시대마다 다르게 살아 숨 쉬어왔다.

 

전성기 시절 서더랜드는 벨리니와 도니제티 오페라에서 수많은 명연을 남겼다.

 

 

도니제티의 「람메르무어의 루치아」에서 ‘Il dolce suono…Spargi d’amaro pianto’는 광란의 아리아라는 장르 자체를 대중적으로 각인시킨 결정적 작품이다. 루치아는 강제로 결혼한 남편을 살해한 후, 환상 속에서 사랑을 노래하며 무너진다. 이 장면의 음악은 인간 심리가 붕괴될 때 어떤 감정이 떠오르는지를 거의 실시간으로 묘사한다. 플루트와의 환상적 이중주는 실제 인물과 환상의 대화를 상징하며, 트릴과 아르페지오, 스타카토는 감정의 미세한 떨림을 입체적으로 그려낸다.

 

벨리니의 「청교도」 중 ‘Qui la voce sua soave…Vieni, diletto’는 같은 ‘광란’이지만 전혀 다른 결을 지닌다. 엘비라는 절망에 빠졌지만, 그녀의 광기는 격렬한 파열보다는 깊은 멜랑콜리로 흘러간다. 벨리니는 길고 고른 선율을 통해 인물의 정서를 조용히 끌어올리고, 청자의 내면에 감정의 파장을 남긴다. 극의 전개상 광기라기보다는 ‘사랑에 대한 망상적 회귀’에 가깝고, 따라서 성악가는 고음보다 음색과 호흡, 프레이징의 균형을 통해 인물의 심리를 직조해야 한다.

 

마지막으로  토마의 「햄릿」 중 오펠리아의 광란 장면은 프랑스 오페라 특유의 시적 구조와 정제된 심리극을 결합시킨 작품이다. 하프와 목관이 주도하는 환상적 반주 속에서 오펠리아는 마치 어린아이처럼 유희적이고, 동시에 무섭도록 차분한 죽음의 감정으로 빠져든다. 아리아 전체는 세 부분으로 나뉘며, 각 파트마다 음색과 정서가 전혀 다르게 구성된다. 이 곡은 고음 자체의 난이도보다, 감정의 결을 어떻게 분절하고 변화시키는가가 해석의 핵심이다.

 

 

세 곡 모두 고도의 기교를 요구하지만, 그 기교의 목적은 다르다. 루치아는 빠른 콜로라투라와 트릴로 구성된 광기의 표면적 확산을 통해 감정의 불균형을 드러내고, 청교도의 엘비라는 정제된 선율과 레가토를 통해 상처받은 기억을 소리로 재현한다. 오펠리아의 경우는 고음보다는 정서의 전환과 무대 언어의 통일성이 중요하며, 감정의 굴곡을 극 안의 시간 흐름과 일치시키는 능력이 핵심이다.

 

이 곡들을 대표적으로 해석한 디바들의 접근도 각기 다르다. 마리아 칼라스는 「루치아」에서 기교보다는 심리적 붕괴에 집중해, 한 음 한 음을 감정의 조각으로 끊어낸다. 벨리니의 엘비라는 조앤 서덜랜드의 손에서 완벽한 레가토와 호흡으로 구현되어, 광기보다는 미학적 균형에 가까운 해석으로 재탄생한다. 오펠리아는 나탈리 드세이가 가장 깊은 인상을 남겼는데, 그녀는 세 파트를 각기 다른 인물처럼 연기하며, 목소리의 음색 변화와 감정선을 자유자재로 조율했다.

 

조수미의 해석은 또 다른 광기의 가능성을 열어 보였다. 조수미는 「루치아」의 광란 아리아에서 마치 유리로 된 음을 쌓아 올리듯, 깨끗하고 정밀한 콜로라투라를 사용하여 ‘광기’를 시적 이미지로 변환했다. 특히 플루트와의 합주 구간에서 그녀는 오케스트라와 소리가 겹치지 않도록 극도로 투명한 톤과 리듬의 유연성을 유지하며, 환상과 현실의 경계를 모호하게 만들었다. 그녀의 루치아는 피에 젖은 파멸의 이미지가 아니라, 빛나는 환각 속에서 자기 감정을 안고 가는 순결한 존재처럼 느껴진다. 이는 극의 비극성을 과장하지 않고, 정제된 방식으로 내면의 균열을 전달하려는 조수미 특유의 미학에서 비롯된다.

 

 

결국 광란의 아리아란 ‘기교를 드러내는 장면’이 아니라, 기교로 감정의 붕괴를 설계하는 고도의 예술 장치다. 세 아리아는 모두 서로 다른 방식으로 인간의 취약함을 드러내며, 성악가는 그 취약함을 극대화된 아름다움으로 변환시켜야 한다. 조수미를 포함한 여러 디바들은 이 장면들에서 자신만의 해석을 통해 ‘소리의 광기’를 예술로 승화시켰으며, 그것이 바로 이 장르가 여전히 살아 있는 이유이기도 하다.